Chelenge Van Rampelberg begann Mitte der 1980er-Jahre zu malen, Holzschnitte und -skulpturen anzufertigen, heute gehört sie längst zu den einflussreichsten Künstlerinnen Ostafrikas. Mit "A Long Way Home" zeigt das gemeinnützige Nairobi Contemporary Art Institute (NCAI) derzeit Van Rampelbergs Retrospektive. Einer der Mitgründer des NCAI ist Michael Armitage, der derzeit vielleicht bekannteste Maler kenianischer Herkunft und seit mehr als 30 Jahren ein Freund von Van Rampelberg.
Den Nachnamen hat die Künstlerin mit der Scheidung vom Vater ihrer drei Kinder, dem belgischen Möbelmacher Marc Van Rampelberg, vor nahezu zehn Jahren so gut wie abgelegt. Heute ist sie schlicht unter Chelenge bekannt – ausgesprochen nicht wie das englische Wort für "Herausforderung", sondern mit weichem, gutturalem G.
Zum Interview hat die 62-Jährige auf die Terrasse ihres Hauses am Rande des Nairobi-Nationalparks eingeladen, anderthalb Autostunden auf teils unbefestigten Straßen von der Hauptstadt entfernt. Auf dem Grundstück, das sie sich mit diversen Tieren teilt, befindet sich ihr Haus und ihr Atelier. Mit Temperaturen um die 25 Grad ist es die kühle Jahreszeit in Kenia, dazu sorgt El Niño für häufige und heftige Regenfälle. Die Künstlerin trägt eine leichte Daunenjacke und serviert heißen Ingwertee mit Milch.
Ein zweites Interview findet ein paar Tage später im NCAI statt, wo die Wandtexte zu ihren Bildern sowohl auf Englisch als der zweiten kenianischen Amtssprache Suaheli verfasst sind. Van Rampelberg ist von einer beruhigenden, sofort vertrauenserweckenden Präsenz, sie spricht mit Bedacht und lacht oft sanft.
Wie ist es für Sie, durch Ihre eigene Retrospektive zu gehen?
Ich war seit der Eröffnung schon mehrmals hier, es fühlt sich jedes Mal anders an. Heute wollte ich weinen.
Warum das?
Ich betrachtete die Arbeiten und las die Wandtexte – es berührte mich einfach so sehr. Jedes Bild und jede Skulptur transportieren mich zurück an den Tag, an dem ich an dem jeweiligen Stück gearbeitet habe. Das ist sehr emotional. Dann wiederum ist es eine Weile her, dass ich eine Ausstellung hatte. Und es fühlt sich so gut an! Ich frage mich, wie es dazu gekommen ist. Ich habe immer nur gearbeitet, gearbeitet, gearbeitet und nie daran gedacht, dass ich eines Tages so viele meiner Werke an einem Ort versammelt sehen würde.
Ihre frühesten Skulpturen stammen von 1985, einige davon sind in der Retrospektive zu sehen.
Angefangen zu malen hatte ich schon vorher. Das war um die Zeit herum, als mein jüngstes Kind in die Vorschule ging. Seine älteren Schwestern waren schon in der Schule und mein Sohn wollte nicht ohne sie zu Hause bleiben. Ich begann mich einsam zu fühlen. Bis dahin war ich auf meinen eigenen Wunsch hin Hausfrau und Mutter gewesen, meine Kinder waren meine Freunde. Das war der Moment, in dem ich beschloss, dass ich malen wollte, ohne eine Ahnung davon zu haben, dass es Regeln gibt. Also ging ich in einen Handwerksladen und kaufte eine Malerrolle, breite Pinsel zum Anstreichen von Wänden und einen Liter Farbe in jeder erhältlichen Schattierung. Ich wusste nicht mal, dass man Farben mischen kann oder Leinwände grundieren muss.
Sie sind im Südwesten Kenias als eines von sechs Kindern eines Truckfahrers und einer Hausfrau aufgewachsen, so fern von institutionalisierter Kunst, wie es nur geht.
In meiner Kindheit kannte ich das Wort "Künstlerin" nicht. Wir lebten in einer Lehmhütte in der Region Kericho, deren Außenseite einmal im Jahr mit den Händen mit rotem Ocker, Kohle und Asche neu angemalt wurde. Ich wusste also immerhin, dass man zum Malen einen Untergrund braucht. Ich ging mit den Jungen jagen, baute meine eigenen Pfeile und Bögen, schoss Zwergantilopen, Hasen, ab und zu ein Impala. Damals hörte ich meinen Vater zu meiner Mutter sagen: "Chelenge hätte als Junge auf die Welt kommen sollen". Das machte mich sehr traurig. Heute verstehe ich, dass er das sagte, weil ich viele Aufgaben übernahm, die damals eigentlich für Jungen vorgesehen waren. Was er wahrscheinlich sagen wollte, aber wofür er in seiner Sprache keine Worte hatte, war, dass ich nicht in die Küche gehörte, mit einem Kind auf dem Rücken und einem im Bauch, während ich auf dem Kopf Feuerholz transportierte. Sondern dass ich Künstlerin bin. Als ich 14 war und in die Pubertät kam, verbot mir meine Mutter, weiter Zeit mit den Jungen zu verbringen. Sie hatte Angst, dass ich schwanger werden könnte.
Wie muss ich mir Ihr späteres Leben als Hausfrau vorstellen?
Wir lebten im Stadtteil Upper Lavington in Nairobi. Wenn ich am Morgen meine drei Kinder zum Bus gebracht hatte, ging ich hinters Haus und malte. Das waren meine ersten Gemälde und ich wollte nicht, dass irgendjemand sie sieht. Ich weiß nicht, wo sie heute sind. Genauso war es mit meinen ersten Holzskulpturen, die ich aus einem gefällten Avocado-Baum schnitzte, der neben unserem Haus wuchs. Ich hatte den Holzfäller gerufen, damit er aus dem toten Baum Feuerholz macht. Stattdessen fing ich an, sie zu bearbeiten. Das waren meine ersten Skulpturen.
Woher wussten sie, was sie da taten?
Skulpturen kannte ich. Die Makonde, die Maasai, die Kamba – viele Ethnien in Kenia fertigen Figuren von Tieren an. Aber das war nicht, was ich im Sinn hatte. Ich wollte eine Geschichte erzählen. Da ich keine bin, die gern schreibt, war die Kunst der einfachste Weg für mich, das zu tun. Gib mir eine Aufgabe außerhalb des Haushaltes – irgendetwas, mit dem ich meine Hände schmutzig machen kann – und ich bin glücklich.
Ihre erste Skulptur trägt den Titel "My Mum and I", die Ausstellung heißt "A Long Way Home". Das klingt, als würde sich hier ein Kreis schließen.
Das ist Zufall. Aber die Skulptur von meiner Mutter und mir musste an den Anfang. Ich kam als Zwilling auf die Welt, das andere Kind überlebte nur drei Monate. Ich erfuhr erst davon, als ich selbst schon dreifache Mutter war. Meine Mutter fragte mich immer, ob ich nicht noch ein Baby haben wolle – sie stammte aus einer Zeit, als Frauen sechs, acht, zwölf oder 14 Kinder hatten. Ich sagte, dass ich kein Interesse daran hätte, und auch körperlich nicht dazu in der Lage wäre. Als nächstes kündigte sie mir ihren Besuch an und dass sie mir jemanden vorstellen wolle: die Hebamme, die mich und meine Schwester auf die Welt gebracht hatte. Ich kannte diese Frau nicht. Sie sagte zu mir: "Du bist so schön wie am Tag, an dem du hier angekommen bist. Ich bin heute hier, um dir zu sagen, dass du eine Schwester hattest." Bis dahin hatte ich mein Leben lang das Gefühl, jemand stünde direkt neben mir und beschütze mich. In dem Moment verstand ich, dass das meine Schwester war und dass ich sie würde gehen lassen müssen, damit sie durch meine Kinder oder Enkelkinder wiederkehren kann – das ist, was wir in meiner Kultur glauben. Seither ist diese Präsenz, der Geist meiner Schwester, verschwunden.
Lassen Sie uns zur Kunst zurückkehren. Die ersten Jahre produzierten Sie im Verborgenen und verstecken ihre Arbeiten sogar vor Ihrem Mann. Warum?
Ich war nicht selbstsicher genug, um sie vorzuzeigen. Außerdem war mein Platz als Frau in der Küche und nicht im Atelier. Ich bin sicher, hätte ich meinem Mann von meinen ersten Gehversuchen in Sachen Kunst erzählt, hätte er mir gesagt, dass ich richtiges Werkzeug brauche. Stattdessen bin ich den afrikanischen Weg gegangen und habe verwendet, was ich eben hatte.
Wie erfuhr er dann doch von Ihrer Kunst?
Es war ein Sonntagmorgen und fragte ihn, ob er einen Kaffee wolle. Als ich aus der Küche zurückkam, sagte er, da wären Bilder unter dem Bett. Die hatte ich dort versteckt. Er hatte darunter geschaut, weil es etwas schief stand. Ich erinnere mich nicht, was dann mit dem Kaffee geschah, sicher ist nur, dass ich an dem Tag nicht zurück in dieses Bett ging. Wir sprachen nicht mehr darüber, aber er sagte zu Ruth Schaffner, der Besitzerin der Gallery Watatu im Zentrum Nairobis, dass er glaube, ich hätte angefangen zu malen. Ruth kam mich besuchen und bat mich, die Bilder sehen zu dürfen. Ich fühlte mich von Marc verraten, zeigte es aber nicht. Heute denke ich: Hätte Marc ihr nichts erzählt, würde ich meine Kunst vielleicht heute noch verstecken. Ich holte die Bilder und verschwand durch die Hintertür auf einen langen Spaziergang. Als ich nach drei Stunden zurückkehrte, hatte Ruth meine Bilder in zwei Stapel aufgeteilt. Die einen fand sie gut, die anderen brauchten ihrer Meinung nach noch Arbeit.
Aber Sie wollten ja ohnehin nichts davon ausstellen. Wie stimmte sie Sie um?
Indem sie sagte, dass meine Arbeiten wie Pflanzensamen seien, die Sonne und Wasser bräuchten, um zu gedeihen, statt wie von mir unter einem Stein versteckt zu werden. Ich bin damit aufgewachsen, ältere Menschen zu respektieren, also hörte ich ihr so aufmerksam zu, wie sie mir zugehört hatte, und akzeptierte schließlich ihren Wunsch, den guten Stapel Bilder mitzunehmen. Im Jahr 1992 veranstaltete Ruth in der Gallery Watatu eine Ausstellung mit aufstrebenden jungen Künstlerinnen und Künstlern, an der auch ich teilnahm. Allerdings ging ich nicht zur Eröffnung, sondern schaute mir das Ganze erste eine Woche später an. Zu diesem Zeitpunkt hatte ich bereits begonnen, auch Skulpturen zu machen – und sollte niemals mehr damit aufhören.
Warum entschieden Sie sich 1996 für die Arbeit an den Ebenholz-Skulpturen "Adam I" und "Eve I"?
Ich hatte einige Fragen über den Garten Eden – die Geschichte von Adam und Eva. Selbst heute noch habe ich das Gefühl, das ich die Wahrheit immer noch nicht kenne. Das macht mich wütend, aber damals beschloss ich, stattdessen lieber Skulpturen zu machen. Ich glaube nicht daran, was die Bibel sagt, und befand mich über lange Zeit im Krieg mit Gott. Mittlerweile akzeptiere ich die Dinge so, wie sie sind. Aber wissen Sie: Ich wünschte, wir führten eine Konversation über Fragen wie die, warum wir keinen Schwarzen Jesus haben.
Zwei figurative Skulpturen von 2007 aus Jacaranda-Holz in der Ausstellung tragen die Titel "They I" und "They II". Was ist ihre Geschichte?
In meinem Dorf lebte eine Frau, deren Kind "abnormal" war und versteckt wurde. Das Haus der Familie war eingezäunt, Maispflanzen schirmten die Blicke ab. Ich glaube, man schämte sich dieses Kindes. Wenn sie Feuerholz holen gingen, sprachen die Frauen über dieses Kind und seine Mutter. Ich nahm das alles so hin, es kam mir normal vor. Jahre später hörte ich, wie die Leute leugneten, dass es in Afrika Homosexualität gäbe oder trans Personen. Aber es gibt sie, wie wollen wir also mit ihnen umgehen? An sie dachte ich, als ich diese Skulpturen machte. Diese Arbeiten richten sich also eigentlich an die Kirche in diesem Land. Ich spreche aber auch mit meinen Werken.
Was sagen Sie ihnen – oder was sagen Ihre Werke Ihnen?
Sie sind die einzigen, mit denen ich meine Tage verbringe, obwohl ich auch ausgehe und Menschen treffe. Ich liebe Partys. Aber wenn ich arbeite, spreche ich dabei mit den Stücken und lasse alles raus. Das ist sehr therapeutisch. Irgendwann hast du ohne es zu merken, das geschnitzt, worüber du gesprochen hast. Deine Freuden, der Schmerz – es kommt alles heraus. Und dann musst du dich bei ihnen bedanken und die Konversation beenden.
Haben Sie ein Lieblingsholz?
Ebenholz. Es handelt sich um sehr schönes, sehr hartes Holz. Du weißt nie, was du am Ende bekommst. Einmal arbeitete ich am Augenloch einer Maske und haute mit dem Meißel ein winziges Stück heraus. Es flog durch die Luft und machte "twieeeeee", bis es auf der Erde landete. Ebenholz fordert dich heraus bis zu einem Punkt, an dem es keinen Anfang und kein Ende mehr gibt. Mein zweitliebstes Holz ist Jacaranda, also Palisander. Meine ersten Stücke waren aus diesem Holz. Was mich am Schnitzen so fasziniert, ist, dass man dabei mit Zeichnungen nur sehr wenig anfangen kann. Du hast nur diese komisch aussehenden kleinen Werkzeuge zur Verfügung, um die Skulptur herauszuarbeiten. Am Anfang hatte ich nur eine Axt, eine Machete, Glasscherben und einen langen Nagel zur Verfügung, den ich am Ende etwas abgeflacht hatte, um die feinen Formen herauszuarbeiten. Es kommt darauf an, wie der Baum, dessen Holz du verwendest, gewachsen ist. Du siehst sein Leben.
Fällt es Ihnen schwer, Ihre Stücke in die Welt zu entlassen?
Sehr. Ich kann nicht sagen, dass sie Teil meiner Seele sind. Sie sind meine Seele. Ich habe eine Frage an Sie: Wie sind Sie darauf gekommen, mich zu treffen?
Vor meinem Besuch habe ich über die kenianische Kunstszene recherchiert und Ihr Name kam immer wieder auf. Nicht zuletzt zitiert der 1984 geborene britisch-kenianische Künstler Michael Armitage Sie ja als wichtigen frühen Einfluss und zeigte 2020 in seiner Ausstellung "Paradise Edict" im Münchner Haus der Kunst eine Ihrer Skulpturen.
Ich selbst habe die Ausstellung nicht gesehen, aber alle meine Freunde hingeschickt. Die Show sollte nach der Royal Academy of Arts in London und München in Nairobi gezeigt werden, aber dann kam Covid dazwischen. Nach der Pandemie war es zu schwierig und teuer geworden, alle gezeigten Werke zu versammeln und hierher zu verschiffen. Das NCAI zeigte dann eine Version mit zehn Künstlerinnen und Künstlern aus Ostafrika.
Woher kennen Sie und Michael Armitage sich?
Wir waren Nachbarn, als wir im Stadtteil Gigiri lebten. Er ging auf dieselbe Schule wie meine Kinder, seine Mutter und ich wechselten uns also manchmal damit ab, die Kinder zur Schule zu fahren. Er war ein sehr neugieriges Kind, fasziniert von allem, kreativ und fokussiert. Er kam jeden Samstagmorgen, wenn die anderen noch schliefen, in mein Atelier, um zu malen und Skulpturen zu machen. Er ist bis heute ein Freund und hatte übrigens auch die Idee für meine Retrospektive.
Bei Ihnen zu Hause sah Armitage auch ein Bild von Meek Gichugus, das ihn nachhaltig prägen sollte.
Zu diesem Zeitpunkt hatten mein Mann und ich schon eine Sammlung afrikanischer Kunst von Leuten wie Jak Katarikawe und Sane Wadu aufgebaut, darunter auch Meek Gichugus Arbeit "No Erotic Them Say". Damals fanden oft Ausstellungen in der Gallery Watatu statt, eine der ersten des Landes.
Watutu wurde 1969 von den drei Künstlern Tony Waite, Robin Anderson and David Hart gegründet, die sie 1985 an die Kalifornierin Ruth Schaffner und ihren ivorischen Mann Adama Diawara verkauften. Sie existierte bis 2012 und ging dann bankrott.
In den 1980ern und 1990ern war Watatu wahrscheinlich der einzige Ort, zu dem man abends in Nairobi gehen konnte. Wir hatten keine Fernseher zu Hause, also fuhren wir entweder essen, ins Autokino oder in die Galerie. Eine interessante Zeit! Im Jahr 1992 organisierte die Galerie einen zweiwöchigen Holzschnitt-Workshop mit einem südamerikanischen Künstler namens Rodriguez in der Alliance Française, an dem ich teilnahm. Dort erhielt ich meine erste künstlerische Ausbildung und war so glücklich darüber.
Waren unter den Arbeiten, die am Ende der Existenz der Gallery Watatu mutmaßlich wegen ausstehender Mietzahlungen zu Preisen von ein paar Dollar pro Stück verscherbelt wurden, auch welche von Ihnen?
Ich habe meine Arbeiten, es handelte sich um 25 Gemälde, zum Glück vorher zurückbekommen.
Was passierte mit ihrer gemeinsamen Kunstsammlung, als Marc Van Rampelberg und Sie sich scheiden ließen?
Er hat sie. Er hat die Arbeiten damals bezahlt, ich habe mich um sie gekümmert. Es ist okay, ich kämpfe nicht um Kunst. Wissen Sie, wenn ich auf mein Leben zurückschaue, denke ich, dass ich sehr viel Glück hatte. Ich schaue auf diese junge Person, die ich Anfang der 1990er-Jahre war. Nachdem "The Long Way Home" fertig installiert war, bin ich nach Hause gekommen und habe wie ein Baby geschlafen.
Weil es sich wie eine Errungenschaft anfühlte?
Weniger wie eine Errungenschaft, eher wie Selbstreflexion. Es gab Berge und Täler in meinem Leben. Nach dieser Ausstellung gibt es für mich keine Berge mehr zu erklimmen, zumindest nicht mehr so viele. Ich weiß nicht, wie alt ich werde, aber ich glaube, dass ich meine Zeit gut genutzt habe. Wenn meine Uhr morgen stehenbleiben sollte, gehe ich ohne eine einzige Sorge.