Die englische Malerin Daisy Parris ist eine der spannendsten jungen abstrakten Malerinnen. Ihre Bilder sind ausdrucksstark und leidenschaftlich. Ein schwerer Pinselstrich, viele Rosatöne und handgeschriebene Textpassagen tragen zu ihrem Wiedererkennungswert bei. Werke der 1993 geborenen Künstlerin sind derzeit in der Galerie Hauser und Wirth zu sehen: Die Gruppenausstellung "Present Tense" in Somerset präsentiert noch bis Ende April aufstrebende Talente aus England.
Daisy Parris, wenn man Ihren Namen hört, denkt man auch an bestimmte Farben.
Farbe ist definitiv der Weg in meine Arbeit, und ich untersuche oft, wie bestimmte Farben miteinander interagieren. Rosa ist eine meiner Lieblingsfarben, Rot und Rosa gehören zu meinen Lieblingskombinationen. Diese kann wie eine Gebärmutter wirken, tröstlich und warm, aber auch unangenehm, da sie Bilder von Gewalt und Brutalität hervorruft.
Wie sind Sie zur abstrakten Malerei gekommen?
Ich habe schon als Teenager angefangen, figurativ zu malen. Als ich an die Universität ging, löste ich mich langsam von der Porträtmalerei und begann, mit der Bildhauerei zu arbeiten, während ich mich auch mit Farben beschäftigte und mit Malerei und Installationen herumspielte. Ich begann, viel über Raum und Textur zu verstehen. Wenn ich zurückblicke, bin ich überrascht, wie minimalistisch meine Arbeit geworden ist, und ich glaube nicht, dass es jemals wieder so sein wird, aber die Dinge, die ich über Farbe und Raum gelernt habe, beeinflussen meine Arbeit bis heute.
Lassen Sie uns über Ihren Pinselstrich sprechen. Er erinnert mich ein wenig an Joan Mitchell, nur mit mehr Dschungel. Oder an schmutzige Impressionisten. Oder Expressionismus im Regenwald. Viele lange, dichte Pinselstriche, die wie ein Regenschauer auf die Leinwand prasseln. Woher kommt dieser Gestus?
Ich mag die Beschreibung "schmutzige Impressionisten". Der nach unten gerichtete Pinselstrich in meinen Bildern ist direkt von Francis Bacon beeinflusst. Ich denke, dass es in meiner Malerei schon immer eine Abwärtsrichtung gab, aber ich hoffe auch, dem zu widersprechen, indem ich Pinselstriche verwende, die die Leinwand aus jedem Winkel angreifen. In letzter Zeit habe ich Veränderungen bei mir bemerkt; einige leichtere Bewegungen sind zu beobachten. Ich ertappe mich dabei, wie ich mich an den zartesten, kompliziertesten Details abmühe, neben schmutzigen, knorrigen Pinselstrichen. Ich liebe es, beides nebeneinander zu haben, um gegensätzliche Momente von Reibung und Zärtlichkeit zu schaffen.
Ein Thema, mehr als ein Motiv, des Impressionismus war die Vergänglichkeit. Licht, Farbe, Schatten und Bewegung bildeten einen kurzen, momentanen visuellen Eindruck, der von der impressionistischen Malerei eingefangen werden sollte. Eine Sekunde vorher und eine Sekunde nachher hätte die Welt ganz anders wahrgenommen werden können. Die Vergänglichkeit des Augenblicks war das berauschende visuelle Erlebnis. Parris' Bilder wirken nicht flüchtig. Bewegt, ja. Aber sie sind kein momentaner Eindruck. Natürlich könnten die Striche wandern, woanders hingehen, weiter in andere Farben übergehen. Oder sich wieder reinwaschen. Aber beispielsweise in "A Storm The Night You Went" sind andere Eindrücke, wie die dunkelroten in der Mitte des Bildes, fester verankert. Und auch die Striche sind beweglich, aber entschieden. Sie sind nicht das Produkt eines zufälligen Lichteinfalls. Sie bilden nicht die Oberfläche von Gegenständen wie impressionistische Sonnenschirme oder Bäume, die sich je nach Kontext, Nacht oder Tag, Wetter und Wahrnehmung wieder verändern können. Bei Parris sind sie selbst das Objekt, die Essenz. Und damit sind sie keine flüchtige Oberflächenreflexion.
Können Sie mir mehr über das Bild "A Storm The Night You Went" erzählen?
Ich habe bei diesem Bild viel über das Fließen nachgedacht. Es hört sich morbide an, aber ich habe über das Verschütten von Blut nachgedacht, wie es sich bewegt, wenn es nass ist, und wie es seine Farbe verändert, wenn es trocknet. Die dunkelroten Farbflecken werden in diesem Bild zu Ankern - Momenten, an denen man sich festhalten kann. Ich liebe es auch, wenn es sich so anfühlt, als könnte ein Gemälde über seine Ränder hinauswachsen und ewig weitergehen. Ich erinnere mich genau daran, dass dies eines der ersten Bilder war, bei dem ich Medium hinzugefügt hatte, um die Ölfarbe zu verdünnen und sie flüssiger zu machen. Die Beziehung zwischen nassen und trockenen Pinselstrichen schuf wieder einmal Reibung, da sie miteinander interagierten. Ich mag es, die Aufmerksamkeit auf "Unfälle" oder flüchtige Momente im Gemälde zu lenken, deshalb sind die dunkelroten Farbkleckse mit leuchtendem Rot eingekreist, fast wie Zielscheiben - und dieses Motiv taucht jetzt häufig in meinen Arbeiten auf.
Führen Sie uns in Ihr Atelier. Können Sie den Arbeitsprozess beschreiben, vom Anfang bis zum fertigen Bild? Welche Momente sind einfach, welche schwierig?
Ich schiebe im Atelier viel auf. Ich fange oft erst später am Tag an zu malen, aber gleichzeitig fühle ich mich konzentrierter denn je und male mit voller Absicht. Im Winter sind meine Tage kürzer. Ich mache mein Feuer an und starre eine Weile hinein, um mich auf das Malen vorzubereiten. Ich grüße immer die Schweine auf dem Bauernhof. Ich starre aus dem Fenster. Ich bewege mich mit unterschiedlicher Geschwindigkeit und Absicht, je nachdem, ob ich weiß, was ich mit einem Bild machen will, oder ob ich einfach nur herumschweben und Farbe auftragen will. Ich wische ständig überschüssige Farbe auf saubere Leinwände, um sie zu verschmutzen. Das ist ein sehr wichtiger Teil meines Arbeitsprozesses und der Weg, um ein Bild zu beginnen. Ich schaue mir die Bilder oft an. Manchmal fließt die Farbe einfach, und das ist meine Lieblingszeit im Atelier, aber die meiste Zeit kämpfe ich damit, wie produktiv ich bin und was ich erledigen sollte. Ich male jetzt viele Schichten, sodass ich weiß, dass ich die ersten paar Schichten hassen werde, was manchmal schmerzhaft ist. Aber ich liebe es, das Rätsel des Bildes zu lösen, egal wie schmerzhaft und obsessiv es sein kann. Am liebsten weiß ich, dass ein Bild fertig ist, wenn es mich überrascht. Vielleicht ist es nicht vollständig gelöst, aber es passiert etwas, das ich nicht erwartet habe. Es ist einfach ein Gefühl von "woher kommt das?".
Und, woher kommt es?
Ich liebe es, überrascht zu werden. Manchmal habe ich keine Wahl und die Deadline entscheidet, wann ein Bild fertig ist. Auch das macht mir nichts aus, denn ich bin fest entschlossen, die Bilder in den kommenden Jahren noch einmal anders zu sehen. Ich glaube nicht, dass irgendeine Malerei in letzter Zeit einfach war, aber ich habe im Moment auch den meisten Spaß im Atelier, sodass sich alles wie eine Freude anfühlt.
Sie repräsentieren auch international eine junge, neue Generation von Malerinnen und Malern. Was charakterisiert diese?
Ich denke, die neue Generation von Malerinnen ist mutig und der Malerei so verpflichtet, wie es Maler schon immer waren. Wir leben für die Malerei, und die Arbeit, die wir machen, kann nie unpolitisch sein.
Es wird kaum noch über Gefühle und Kunst gesprochen. Mit Ausnahme der politischen Kunst. Aber das hat mehr mit den Gefühlen des Künstlers oder der Protagonisten in den Arbeiten zu tun. Über die Gefühle des Betrachters zu sprechen, wird oft vermieden, besonders in der abstrakten Malerei. Wahrscheinlich hat man Angst, in Kitsch oder Esoterik abzugleiten. Doch Gefühle sind beim Betrachten von Kunst unerlässlich. Welche Gefühle wecken Ihre Bilder?
Meine Bilder sind im Moment sehr emotional, sie sind direkt und fast zu viel. Ich denke, sie rufen Gefühle wie Verlust, Nostalgie, Humor, Hoffnung und Angst hervor. Ich versuche immer, Gespräche über Emotionen und Gefühle anzuregen, wenn man sich meine Arbeiten ansieht.
Sie haben einmal gesagt, dass man sich in Farben verlieren kann. Wie funktioniert das? Wie verliert man sich selbst?
Ich glaube, große Farbflächen zu sehen, ist eines der heilsamsten Dinge. Oder einfach irgendwo Farbe zu sehen. In den letzten zehn Jahren habe ich im konkreten London gelebt und die Farbe so sehr vermisst, dass ich sie in meine Arbeit einbauen musste. Farbe macht mich einfach glücklich. Jetzt bin ich aufs Land gezogen, und die Art und Weise, wie ich Farbe sehe, hat sich verändert und ist komplexer geworden. Ich habe das Gefühl, dass ich endlich wieder spielerisch mit Farben umgehe, und ich habe das Selbstvertrauen und den Freiraum, mit den Farben, die ich verwende, Risiken einzugehen.
Sie fügen auch Text in Ihre Bilder ein. Um welche Art von Wörtern und Texten handelt es sich dabei? Welche Funktion haben sie in abstrakter Malerei?
Ich schreibe viel, manchmal Gedichte, manchmal nur Beobachtungen. Es fällt mir schwer, keinen Text mehr in meine Bilder zu integrieren. Ich habe so lange dagegen angekämpft. Aber ich versuche, ein Gleichgewicht zwischen Abstraktion und dem geschriebenen Wort zu finden, das einen in die Realität zurückbringt. Die Titel der Arbeiten können so viel bewirken. Ich bringe gerne kleine Notizen auf den Bildern an. Der Text in meinen Arbeiten wird immer ausgefeilter, da ich mehr Vertrauen in ihn gewinne, und ich habe eine ganze Reihe von Bildern, die nur aus Text bestehen. Ich liebe es, den Text zu schreiben und ihn dann physisch zu bearbeiten und auf der Leinwand zu komponieren. Ich sehe den Text als eine weitere malerische Geste, mit der ich spielen und einen Rhythmus aufbauen kann.
Wie ist der aktuelle Stand der abstrakten Malerei im Allgemeinen? Muss sie sich gegen andere Kunstformen behaupten, zum Beispiel gegen politische Kunst oder Künstliche Intelligenz, oder kann sie koexistieren? Und welche Trends sehen Sie in der aktuellen abstrakten Malerei?
Punk ist nicht tot, abstrakte Malerei ist nicht tot. Es ist alles noch da. Die Leute malen im Stillen weiter, und die Arbeitsmoral der Maler geht niemals weg.