"Wäre ich nicht Künstlerin, dann wohl Krypto-Entwicklerin"

Avery Singer sieht sich nicht als digitale Künstlerin und arbeitet am liebsten mit den Händen. Doch sie ist auch fasziniert von der Krypto-Welt. Hier spricht sie über Memecoins, Subkultur im Internet und Blockchain-Kurse an Kunsthochschulen

Avery Singer ist US-amerikanische Künstlerin und vor allem durch ihre Technik-affine Kunst bekannt. Mit Monopol spricht sie über die fehlende Repräsentation der Tech-Community als Abbild unserer Zeit, Arztpraxen-Ästhetik und virtuelle Gebetsräume als performativen Akt. Sollten wir demnach als bildorientierte Gesellschaft auch digitale Kunst unterrichten und die Interaktionslücke zwischen digitaler und zeitgenössischer Kunst schließen? 

Avery Singer, nach drei Jahren Pause sind Sie plötzlich wieder aktiv auf X (früher Twitter) geworden und posten seither über Memecoins und die Ethereum-Blockchain. Vor ein paar Tagen haben Sie auch den Start von Trumps Coin $TRUMP kommentiert. Alle, die mit NFTs zu tun haben, können der Plattform leider nicht den Rücken kehren. Was hat Sie zurück zur Krypto-Welt gebracht? In Ihrer Museumsausstellung im Serralves in Porto, die im Februar eröffnet, werden auch Themen wie Blockchain, Finanzen und Technologie behandelt. 

Über Trumps Coin wurde von einigen großen Nachrichtenagenturen berichtet. Ich habe es auf Reuters gesehen. Es wurde aber auch von konservativen Sendern wie Fox News berichtet. Meine Ausstellung habe ich nach einer Wallet benannt, die ich auf Twitter und Reddit gefunden habe. Der Titel ist wie ein Dateiname geschrieben: "Run_it_back.exe". Ich möchte die Tech-Community darstellen. Es gibt diese romantische Idee vom Maler, der seine Community malt. Christian Schad hat mich unter anderem inspiriert; ein großartiger deutscher Maler, der Menschen in seinem Salon und andere aus der deutschen Kultur seiner Zeit porträtierte. Warum sollte ich also diese Perspektive nicht auf die Tech-Community anwenden, die ich in der Malerei nicht repräsentiert sehe? Durch meine Teilnahme an der Konferenz Seven on Seven im Jahr 2018 hatte ich zufällig einige Ethereum-Entwickler kennengelernt und mich mit ihnen angefreundet. Damals wollte ich mehr über Krypto wissen, weil Menschen in meinem Alter daran arbeiteten und die Welt und die globale Wirtschaft anders betrachteten.

Rhizome und das New Museum präsentieren Seven on Seven, ein Event, das sieben prominente Künstler und sieben innovative Technologen zusammenbringt und sie herausfordert, "etwas zu schaffen". Im Jahr 2018 waren Sie mit Matt Liston auf der Bühne, Sie haben gemeinsam eine Blockchain-Religion gegründet.

Ich habe darum gebeten, mit einem Krypto-Entwickler zusammengebracht zu werden. Und das war dann Matt Liston. Wir haben eine Performance auf der Konferenz gemacht, bei der wir eine konsensorientierte Religion auf Ethereum präsentierten und ich einen virtuellen Gebetsraum schuf. Wir richteten Wallets für die Teilnehmer im Publikum ein und planten, das Guthaben von jedem zu verbrennen, der seine Wallet nicht als performativen Akt mitnahm. Wir waren bereit, es auf dem Dach oder draußen vor dem Museum zu verbrennen oder so etwas. So kam ich ursprünglich zu Krypto. 

Spielte das Thema in Ihrem Umfeld sonst eine Rolle?

Zwei meiner Künstlerfreunde beschäftigten sich damit, das waren Simon Denny und Daniel Keller. Damals bin ich auf Twitter aktiv geworden, nutzte es aber nicht wirklich, weil ich nicht wusste, was ich damit anfangen sollte. Der Großteil der Kunstwelt ist auf Instagram, weil es eine visuelle soziale Medienplattform ist – bildorientiert. Ich habe ehrlich gesagt meinen Twitter-Account vergessen, bis ich massiven Cyberangriffen ausgesetzt war und alle meine Social-Media-Konten sichern musste. Ich wusste nicht, dass Menschen versucht hatten, mich dort zu kontaktieren, darunter auch der NFT-Künstler Beeple. Also holte ich das Gespräch mit Beeple nach. Er lud mich kürzlich zum Digital-Canvas-Summit ein, den er in seinem Studio organisierte. Ich war zuvor nicht Teil der Krypto-Community.

Und wie war es? Ich habe auf Twitter gesehen, dass Roboterhunde mit Beeple-Köpfen herumgelaufen sind. 

Beeple hat einen guten Sinn für Humor. Es liefen auch Performer im Studio herum, die Köpfe von Elon Musk, Picasso und Warhol trugen. Es war erst ein bisschen gruselig und unheimlich, aber man gewöhnt sich daran. Sie sprachen nicht, sondern schauten sich einfach nur Beeples Kunst an. Beeple hatte viele namhafte Persönlichkeiten aus der zeitgenössischen Kunstwelt zu seinem Digital-Canvas-Summit eingeladen. Mir ist erst da bewusst geworden, dass digitale Künstler größtenteils Autodidakten sind und institutionelle Anerkennung von der zeitgenössischen Kunstgemeinschaft suchen. 

Warum ist die wichtig?

Sie fühlen sich oft nicht unterstützt oder wissen nicht genau, wie sie sich an diesen Gesprächen beteiligen können. Wir hörten hauptsächlich Präsentationen von Kuratoren aus Museen, die über digitale Kunst sprachen. Es gab auch Breakout-Sitzungen, in denen wir über diese Themen diskutierten. Ich bin keine digitale Künstlerin. Ich nutze digitale Werkzeuge, aber ich identifiziere mich nicht als digitale Künstlerin. Kurse über Kunst im digitalen Zeitalter an Kunstschulen wären unglaublich nützlich, um den Studenten zu ermöglichen, Kunst über traditionelle Malerei oder Skulptur hinaus zu erkunden. Wir scheinen hinterherzuhinken, wenn es darum geht, Kunst im Internetzeitalter in die Kunstbildung zu integrieren.

Ja, das ist eine erstaunliche Entwicklung. Als der Hype im Jahr 2021 nach Beeples Auktionsrekord um NFTs und die Blockchain begann, war die Idee ja eine ganz andere. Eine neue Generation wollte eine neue Kunstwelt online aufbauen. Schnell wurde allerdings klar, dass ein Validierungssystem benötigt wird, damit die NFTs nicht sofort an Wert verlieren. Und jetzt sind wir an dem Punkt, an dem der Kontakt zu Institutionen und Kuratoren verstärkt gesucht wird. Die traditionelle Kunstwelt ist auf Instagram, die neue Online-Kunstwelt ist auf Twitter. Es gibt so gut wie keine Verbindung zwischen den beiden Welten. Ich bin mir nicht sicher, ob das gut ist. Was denken Sie darüber, dass, wie es so oft heißt, Tech-Bros eine neue Online-Kunstwelt nach ihren Bedingungen schaffen möchten?

Eine meiner Lieblingskünstlerinnen ist Wendy Vainity. Sie hat einen YouTube-Kanal. Sie scheint in Australien zu leben. Und sie nutzt 3D-Software, um Videos zu machen, die ihre Psyche erkunden. Ich mag ihre Kunst. Sie antwortet nicht, wenn man sie kontaktiert. Ich habe versucht, sie zu erreichen, weil ich sie in Ausstellungen einbeziehen wollte. Es muss eine bessere Verbindung zwischen zeitgenössischer Kunst und digitaler Kunst hergestellt werden, da es da draußen Menschen gibt, die interessante Arbeiten schaffen. Allerdings bin ich mir nicht ganz sicher, wie man diese Verbindung herstellen kann. Traditionelle Künstler werden vier bis sechs Jahre ausgebildet, Kuratoren oft noch länger. Digitale Künstler sind, wie gesagt, oft Autodidakten. 

Was folgt daraus?

Das schafft zwei ideologische Rahmen, die sich separat bilden, ohne Interaktion. Die Interaktion aber sollte in diesen prägenden Jahren beginnen. Wie können wir digitale Kunst in Museen und in die Kunstausbildung integrieren? Wie schaffen wir eine Technikabteilung für Künstler, die mit der Blockchain arbeiten? Brauchen Museen ein Technikteam, das einen Krypto-Entwickler und einen Software-Ingenieur hat? Wie wird es zur Selbstverständlichkeit, dass daran gedacht wird, dass auch digitale Kunst für die Nachwelt aufbewahrt werden muss? Technologie verändert sich rasant, einige Werke sind schon jetzt nicht mehr zugänglich, weil die Technologie veraltet ist. Ich habe darüber nachgedacht, wie die Kunstwelt diese Themen innerhalb von Museen und Kunstschulen angehen könnte. Deshalb habe ich eine E-Mail an den Präsidenten der Cooper Union geschickt, an der ich studiert habe. Ich erwähnte, dass sie gerade ein Programm für Softwaretechnik in der Ingenieurschule gestartet haben, und ich glaube, wir benötigen etwas Entsprechendes in der Kunstschule. Wir sollten diskutieren, wie das aussehen könnte.

Ich unterrichte in Wien an der Universität für angewandte Kunst und im Sommer auch an der Bauhaus-Universität in Weimar. Die Studierenden lernen bei mir mehr über die Geschichte der digitalen Kunst, wie man mit KI arbeitet, Wallets einrichtet und was NFTs und Blockchain sind. Solange es um Kunst geht, sind sie engagiert. Wenn jedoch der Marktaspekt digitaler Kunst durch NFTs und Blockchain ins Spiel kommt, werden sie unsicher, weil sie es als herausfordernd empfinden, in Markt-Kategorien zu denken oder überhaupt über die Beziehung zwischen Kunst und Markt nachzudenken. Welche Erfahrungen haben Sie nach dem Studium an der Städelschule und der Cooper Union gemacht?

Vielleicht brauchen die Studierenden wirklich eine Einführung, wie man Ethereum oder etwas Ähnliches nutzt, denn für mich ist Ethereum eine Gemeinschaft von Entwicklern. Das sind interessante Menschen, die versuchen, Probleme zu lösen und Technologie zu entwickeln. Es könnte vorteilhaft für sie sein, mit einem Ethereum-Entwickler zu sprechen oder diese Gemeinschaft ein wenig kennenzulernen. Schließlich kann man digitale Kunst schaffen, ohne sie auf der Blockchain zu haben, oder man könnte sie auf der Blockchain haben, ohne sie zum Verkauf anzubieten. Ich habe mein Studium an der Cooper Union mit 22 Jahren abgeschlossen. Ich hatte in einer Bar gearbeitet und Geld gespart, weil ich bei meinen Eltern und extrem sparsam lebte. So konnte ich mir ein Atelier leisten. Ich lebte in diesem Atelier, weil ich mir eine Wohnung nicht leisten konnte. Ich lebte dort drei Jahre ohne Heizung. Es war sehr kalt. Als sich die Gelegenheit ergab, eine Ausstellung zu machen und meine Arbeiten zu verkaufen, war ich überglücklich, denn ich wollte nicht mehr so leben. Ich war in einem Loft, das die Temperatur hatte, die draußen herrschte. Wenn es zehn Grad waren, waren es den ganzen Tag über zehn Grad in meinem Studio. 

Das heißt, der Markt war eine Notwendigkeit

Wenn Menschen damit zufrieden sind, ihre Arbeiten nicht zu verkaufen, ist das in Ordnung. Aber wenn jemand in einer schwierigen Lebenssituation ist und die Möglichkeit hat, seine Arbeiten zu verkaufen, macht das Sinn. Der Verkauf kann helfen, Materialien zu finanzieren, Änderungen im Maßstab zu ermöglichen oder Experimente zu erlauben. Ich glaube, es könnte an Selbstvertrauen fehlen oder sie verstehen möglicherweise nicht vollständig, wie sie sich in diesem Raum bewegen können. Sie müssen einfach loslegen. Es geht um ihre Arbeiten, ihre Geschichte und ihren Werdegang. Ich kann den Leuten nicht sagen, was sie tun oder nicht tun sollen, aber ich würde sagen: Habt keine Angst und legt los!

Das ist sehr guter Rat. War das auch Ihr Ansatz in Bezug auf Krypto? Ich erinnere mich, dass ich Ihre Arbeit 2018 im Schinkel Pavillon in der Ausstellung "Proof of Work", kuratiert von Simon Denny, gesehen habe. Wie haben Sie die Entwicklungen seitdem wahrgenommen?

Ich habe mich hauptsächlich darauf konzentriert, meine Gemälde weiterzuentwickeln. Krypto habe ich nur beobachtet, den Bärenmarkt und die epischen Abstürze verfolgt. Für meine Museumsausstellung habe ich Gerichtszeichnungen von Caroline Ellison gekauft. Sie war die CEO von Alameda Research, einem Hedgefonds, der von Sam Bankman-Fried gegründet wurde. Ich habe die Zeichnungen einrahmen lassen und werde sie in der Ausstellung zeigen. Ich schaffe eine Art Pseudo-Büroumgebung. Als ich wieder auf Twitter aktiv geworden bin, hat mich mein damaliger Kollege von Seven on Seven kontaktiert. Er erzählte mir, dass Leute ihn gedrängt hätten, das Projekt zu einem Memecoin zu machen, und fragte mich, was ich davon halte. Er wollte wissen, ob er damit als Projekt weitermachen könnte. Ich sagte: "Klar, mach einen Memecoin." Er wollte nun also eine Gemeinschaft rund um den Memecoin aufbauen. Einige Memecoins haben eine solide Anhängerschaft. Das haben wir versucht. Allerdings weiß ich nicht, wie es gerade so läuft. Ich habe in der Vergangenheit Memecoins gekauft und Geld verloren. Ich denke nicht, dass jemand davon profitiert, außer sehr talentierten Entwicklern, die wissen, wie man Memecoins vermarktet. Sie sind im Wesentlichen Ponzi-Schemata.

Das kann man so sagen. Sie scheinen großen Spaß daran zu haben, auf Twitter herumzunerden. 

Die Gespräche sind sehr selbstironisch, was für meinen Humor passend ist. Während ich das Wahnsinnige beobachtete, dachte ich: "Wow, das ist ein verrückter Aspekt der Kultur." Ich weiß nicht, ob die Menschen in der traditionellen Kunstwelt sich dessen bewusst sind, oder ob sie überhaupt hinschauen. Ich bin davon irgendwie fasziniert. Ich bin wohl auch ein bisschen ein Nerd. Wenn ich nicht Künstlerin geworden wäre, hätte ich wahrscheinlich Krypto-Entwicklerin werden wollen. Aber ich bin niemand, der einfach nur am Computer arbeiten kann; ich muss mit meinen Händen arbeiten. So war ich schon immer. Ich schätze, deshalb bin ich Künstlerin – ich benutze digitale Werkzeuge und arbeite mit digitalen Gemeinschaften. 

Denken Sie, dass Krypto eine Subkultur bleiben wird? Trump und seine Frau Melania haben nacheinander Coins gelauncht. Die Tech-Elite war bei Trumps Amtseinführung, und er legt großen Wert darauf, eine gute Beziehung zur Krypto-Community aufzubauen.

Krypto wird mehr Menschen anziehen, besonders aus der jüngeren Generation – es gibt viele Zoomer. Ich versuche, ihre Sprache, ihre Logik und wie sie Dinge analysieren, um Handelsentscheidungen zu treffen, zu verstehen. Es könnte eine größere Bewegung werden. Ich habe geschlafen, als Trump seine Coin gelauncht hat. Als ich aufwachte und es mir ansah, dachte ich: "Okay, das ist kein Hack. Der Account wurde nicht gehackt." Ich habe so viele Hacks auf Twitter gesehen. Mein erster Gedanke, wenn so etwas passiert: Das muss ein Hack sein. Das Handeln von Memecoins fühlt sich unethisch an; es sollte Schutzmechanismen geben. Es ist wie Glücksspiel. Ich kann sehen, wie Menschen süchtig danach werden, wie beim Besuch eines Casinos. Aber zumindest in einem Casino sind die Chancen besser. Ich habe mir ein Tortendiagramm angesehen, das zeigt, dass weniger als ein Prozent der Menschen, die Coins kaufen, mehr als 1000 Dollar verdienen. 

In Ihrer Kindheit sind Sie früh mit dem Thema Finanzen in Berührung gekommen. 

Ich mag die Ästhetik des Büros. Das kommt daher, dass ich im Finanzviertel von Lower Manhattan aufgewachsen bin. Ich war von dieser Ästhetik umgeben – diesem heruntergekommenen Büro-Stil der 80er- und 90er-Jahre. Ich liebte den Effekt, den der Teppich, sogar der schäbige Teppich, auf die Galerie für meine Ausstellung "Free Fall" bei Hauser & Wirth in London hatte. Ich dachte: Lass uns den Raum ein bisschen abwerten. Ich erinnerte mich daran, ein Kind im World Trade Center zu sein, die Flure ohne Fenster entlangzulaufen und nach der Bürotür meiner Mutter zu suchen. Ich erinnere mich an diese langen, schwach beleuchteten Korridore und die neutralen Farbtöne. Es ist schwierig, eine Ausstellung in einem White Cube zu machen, der von einem Stararchitekten entworfen wurde. Man muss sich erst ein bisschen freiarbeiten, bevor man seine Arbeiten zeigen kann; andernfalls beginnt die Arbeit, zu sehr von der Vorstellung eines anderen über den Raum geprägt zu sein. Ich habe festgestellt, dass der Teppich eine der einfachsten Möglichkeiten ist, den Galerieraum in Besitz zu nehmen. Deshalb verwende ich diese Art von Teppichfliesen aus Bürogebäuden wieder. 

Auch in Porto?

Die Lobby des Museums in Porto hat ein doppelt hohes Atrium in der Mitte, zusammen mit einer Garderobe, einer Treppe und einem Eingang zum Geschenkeladen. Es gibt viele unterschiedliche Deckenhöhen und verschiedene Arten von Licht, die hereinkommen. Es ist zu viel los, um dort etwas Substantielles zu bauen, also werde ich es einfach mit Teppich auslegen und zwei, vielleicht drei Gemälde installieren. Dann wird es einen Gang zu einem Set von etwas schäbigen Schwingtüren geben, durch die man hindurchgeht – Türen, die man normalerweise nicht in einem Museum sieht, eher wie Türen in einem Krankenhaus. Mir ist aufgefallen, dass ich so viel Zeit in Krankenhäusern und Arztpraxen verbracht habe, dass ich von deren Architektur und Detailgestaltung inspiriert bin. Während einer meiner Operationen schaute ich mich im Büro um und dachte: "Ich habe das Wartezimmer in meiner Ausstellung nachgebildet". Wenn man mit einer chronischen Krankheit umgehen muss, hat man diese emotionalen Momente vor der Operation oder vor einem wichtigen Termin mit dem Arzt. Man findet sich allein im Büro wieder, versucht, alles zu verarbeiten, während man gleichzeitig versucht, seine Emotionen zu kontrollieren. Da ich eine visuelle Person bin, wird die Ästhetik Teil des emotionalen Erlebnisses. 

Haben Sie schon einen Platz gefunden, um die Zeichnungen von Caroline Ellison aufzuhängen, die Sie erworben haben? Spielen sie auch eine Rolle in den Gemälden für die Ausstellung?

Ich habe darüber nachgedacht, ein Porträt von Caroline Ellison zu malen, weil ich viel über Frauen in der Krypto-Community nachgedacht habe. Da ist etwas an ihrer Darstellung – wie in der Fotografie –, wo sie einfach so bedauernswert aussieht und versucht, ihr Gesicht zu verbergen. Sie schnäuzt sich, ihr Gesicht sieht aus, als würde es schmelzen. Es entsteht der Eindruck von Elend. Aber dann dachte ich, ich glaube nicht, dass ich das besser machen kann als die Skizzenkünstler. Also suchte ich nach der Skizzenkünstlerin, kontaktierte sie und fragte, ob ich die Zeichnungen von ihr kaufen könnte, um sie in die Ausstellung aufzunehmen. Sie war mehr als glücklich, sie mir zu verkaufen. Sie hatte nur zwei davon; ich weiß nicht, ob sie vielleicht einige behält, oder ob jemand anderes sie gekauft hat. Diese Frau, Jane Rosenberg, macht auch Skizzen von Trump. Sie lebt auf der Upper West Side. Ich habe die Zeichnungen abgeholt und in einem goldenen, etwas kitschigen Büro-Rahmen gerahmt. Ich werde sie irgendwo aufhängen. Ich muss den Raum sehen und mit dem Kurator zusammenarbeiten, um den richtigen Weg zu finden, sie aufzuhängen.

Viel Freude beim Installieren!